🎬 Cine — Películas

Neo-Tokio, 2019. En la ciudad reconstruida sobre las ruinas del Tokio destruido por una explosión misteriosa en 1988, el joven Kaneda lidera una banda de motoristas. Cuando su amigo Tetsuo desarrolla poderes psíquicos que amenazan con despertar a Akira, la fuerza que destruyó la ciudad, el ejército y el gobierno entran en conflicto. Katsuhiro Otomo adaptó su propio manga en 1988 en una película de animación que redefinió el género y cuyo impacto visual todavía es visible en el cine de ciencia ficción actual.

Simba es un cachorro de león cuyo destino es gobernar las Tierras del Orgullo. Pero tras la muerte de su padre Mufasa, huye atormentado por la culpa. Años después, deberá enfrentarse a su tío Scar para recuperar su reino. El clásico de Disney animado de 1994 combina la grandiosidad visual del savanna africana con una historia de culpa, madurez y responsabilidad que emociona por igual a niños y adultos. La música de Elton John y Hans Zimmer es inmortal.

Japón, verano de 1945. Seita tiene catorce años y cuida de su hermana pequeña Setsuko tras perder a su madre en un bombardeo y ser acogidos brevemente por una tía que los trata con crueldad. Los dos hermanos deciden vivir solos en un refugio abandonado cerca de un lago, sobreviviendo con los escasos recursos que Seita puede obtener. Isao Takahata adaptó la novela autobiográfica de Akiyuki Nosaka en la película de animación sobre la guerra más desgarradora jamás filmada.

Satsuki y su hermana pequeña Mei se mudan con su padre a una casa de campo japonesa mientras su madre se recupera en el hospital. En el bosque cercano descubren a Totoro, un enorme y silencioso espíritu del bosque que solo los niños pueden ver. Hayao Miyazaki filmó en 1988 una película sin villano ni conflicto convencional que resulta ser una de las más emocionalmente potentes de la historia de la animación: la infancia, el miedo a perder a una madre y la naturaleza japonesa como refugio.

Nueva Inglaterra, 1630. Una familia puritana es desterrada de su comunidad y se asienta junto a un bosque oscuro donde algo terrible comienza a ocurrir: el bebé desaparece, las cosechas fallan y la paranoia se apodera de todos. Robert Eggers debuta con una película de terror que es también un ensayo sobre el fanatismo religioso, la represión sexual y el miedo como instrumento de control. Atmosférica, densa y genuinamente perturbadora.

Hollywood, 1927. Las estrellas del cine mudo Don Lockwood y Lina Lamont deben sobrevivir la llegada del sonido. El problema: la voz de Lina es espantosa. Con la ayuda de Cosmo y la nueva actriz Kathy, Don convierte la primera película sonora del estudio en un musical al doblarlo secretamente con la voz de Kathy. Gene Kelly, Debbie Reynolds y Donald O'Connor protagonizan el musical más perfectamente coreografiado y más gozosamente feliz de la historia de Hollywood.

Joe Gillis es un guionista en quiebra que se refugia en el garaje de la mansión abandonada de Norma Desmond, antigua estrella del cine mudo que vive en un delirio de grandeza esperando su regreso a Hollywood. Billy Wilder filmó en 1950 el más brillante y despiadado retrato de la industria del espectáculo americano, con Gloria Swanson en el papel de una estrella real del cine mudo interpretando a una estrella ficticia que se niega a aceptar que su tiempo pasó.

Un adolescente de barrio pobre es juzgado por el asesinato de su padre. Las pruebas parecen abrumadoras y once de los doce jurados votan culpable casi sin deliberar. El jurado número ocho, que ha votado "no culpable", solicita que discutan el caso. Sidney Lumet filmó en 1957 casi en tiempo real, en una sola habitación, el drama judicial más tenso y más filosófico del cine americano sobre la justicia, la duda razonable y los prejuicios que distorsionan la razón.

Travis Bickle es un veterano de Vietnam que no puede dormir y trabaja de taxista nocturno en el Nueva York degradado de los 70, observando con horror la podredumbre que lo rodea. Su obsesión creciente por la ciudad y por dos mujeres —una voluntaria de campaña y una prostituta adolescente— lo lleva a un punto de ruptura. Martin Scorsese filmó con Bernard Herrmann el retrato más violento y poético del alienado urbano americano del siglo XX.

Stanley Kubrick exploró en 1968 el origen del hombre, la evolución de la inteligencia y el destino de la humanidad en el cosmos en cuatro movimientos: el amanecer del hombre, la luna, el viaje a Júpiter con el ordenador HAL 9000, y la transformación final del astronauta Bowman en algo que trasciende lo humano. Sin prácticamente diálogo en sus dos primeras y dos últimas partes, 2001 comunica a través de imagen y música lo que el lenguaje no puede expresar.

Winfried Conradi, padre excéntrico, viaja a Bucarest para visitar a su hija Ines, ejecutiva de consultoría que lleva una vida de productividad sin margen para nada más. Para conectar con ella, Winfried crea el alter ego Toni Erdmann: coach de vida ficticio con dentadura postiza que se cuela en todos los eventos laborales de Ines. Maren Ade filmó la comedia más incómoda e inesperadamente tierna sobre la distancia entre padres e hijos del cine europeo de la última década.

Un profesor de instituto en Alemania conduce un experimento social en su clase: crear una autocracia en una semana. Lo que comienza como un juego pedagógico se convierte en algo aterrador cuando los alumnos se identifican cada vez más con el movimiento y empiezan a excluir a quienes no encajan. Dennis Gansel adapta un hecho real americano para reflexionar sobre cómo el fascismo puede surgir en cualquier sociedad que baja la guardia. Inquietante y pedagógicamente imprescindible.

Un barbero judío anónimo regresa a su país después de la Primera Guerra Mundial sin saber que su nación ha caído bajo la dictadura del régimen de Hynkel, un líder demagogo que lo persiguirá por el parecido físico que comparte con él. Charles Chaplin abandonó el silencio —The Great Dictator fue su primera película enteramente hablada— para hacer en 1940 la sátira más valiente del nazismo producida por Hollywood, mientras Hitler todavía estaba vivo y la guerra acababa de comenzar.

En un pueblo de Sicilia de la posguerra, Totò es un niño que se enamora del cine a través de Alfredo, el proyeccionista del único cine del pueblo. La amistad entre los dos y el amor de Totò por las películas marcarán toda su vida, incluyendo su primera relación amorosa y su eventual partida hacia Roma. Giuseppe Tornatore filmó en 1988 el mayor elogio al cine que ha producido el cine europeo, con una música de Ennio Morricone que se ha convertido en sinónimo de nostalgia cinematográfica.

La isla de Salina, a comienzos de los 50. Mario Ruoppolo es un pescador sin oficio que obtiene trabajo como cartero del único cliente ilustre de la isla: el poeta Pablo Neruda, en exilio político. A través de las lecciones de poesía y del poder de la metáfora que el cartero aprende para conquistar a Beatrice, surge una amistad entre el hombre sencillo y el poeta famoso que cambia ambas vidas. Massimo Troisi protagonizó su último papel sabiendo que padecía una enfermedad cardíaca grave. Murió doce horas después de terminar el rodaje.

Berlín Oriental, 1984. El agente de la Stasi Gerd Wiesler es asignado a vigilar al dramaturgo Georg Dreyman y a su pareja, la actriz Christa-Maria, sospechosos de actividades disidentes. Al escuchar sus conversaciones y leer sus cartas, Wiesler empieza a vivir vicariamente a través de ellos y a cuestionar su propio sistema de valores. Florian Henckel von Donnersmarck ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera con la película más delicada y moralmente compleja sobre la vigilancia estatal del cine alemán.

Amélie Poulain es una joven tímida y soñadora que trabaja como camarera en Montmartre. Decide consagrar su vida a la felicidad ajena: organiza encuentros, repara relaciones rotas y teje conspiraciones bondadosas. Pero cuando por fin encuentra a alguien especial, deberá atreverse a reclamar su propia dicha. Jean-Pierre Jeunet crea un París de cuento de hadas rebosante de ingenio, color y emoción desbordante.

El director de teatro Yusuke Kafuku, que sigue elaborando el duelo por su esposa, acepta durante tres meses dirigir en Hiroshima una producción multilingüe de Tío Vania de Chéjov con actores que hablan diferentes idiomas. Le asignan como chófer a Misaki Watari, una joven taciturna con su propio dolor no resuelto. Ryusuke Hamaguchi adaptó a Haruki Murakami en tres horas de cine que ganan el Oscar y cambian la percepción de lo que el cine de autor japonés puede lograr.

Jongsu, un joven escritor aspirante, se reencuentra con su vecina de infancia Haemi. Ella le pide que cuide a su gato mientras viaja a África, donde conoce a Ben, un hombre misterioso y adinerado. Cuando Haemi desaparece, Jongsu comienza a obsesionarse. Lee Chang-dong adapta a Murakami con una maestría hipnótica, construyendo una película sobre la desigualdad, el deseo frustrado y la violencia invisible que late bajo la superfície de la modernidad.

Babette es una refugiada francesa que llega a un remoto pueblo noruego y trabaja durante años como sirvienta de dos devotas hermanas. Cuando gana la lotería, decide gastar todo en preparar un banquete para la comunidad austera que la ha acogido. Gabriel Axel adapta a Karen Blixen en esta pequeña obra maestra sobre la generosidad, el arte y la transformación que puede obrar una comida preparada con amor y maestría. Ganadora del Óscar a la mejor película extranjera.

Corea del Sur, finales de los 80. Dos detectives de un pequeño pueblo rural investigan una serie de asesinatos en serie —los primeros registrados en la historia de Corea— con métodos opuestos: el local e intuitivo Park Doo-man y el sofisticado Seo Tae-yoon, llegado de Seúl. Bong Joon-ho filmó en 2003 basándose en los crímenes reales del asesino en serie Hwaseong, con un tono que mezcla comedia absurda y horror genuino de manera completamente insólita.

La batalla de Chapultepec, 1847. Un grupo de cadetes del Colegio Militar se planta frente al ejército estadounidense, a pesar de saber que su lucha es inútil. Diego Quemada-Diez revive este episodio con una mirada cruda, despojada de patriotismo barato. Su visión antiheroica muestra el horror y la valentía de jóvenes que jamás debieron enfrentar una guerra. La crudeza de la escena es impactante, y Quemada-Diez no se anda con rodeos a la hora de presentar la realidad. Esta no es una historia de héroes, sino de jóvenes que se ven arrastrados por la guerra. Su relato es una crítica a la idealización de la guerra y a la heroicidad, y muestra la faceta más oscura de la historia. La valentía de estos jóvenes no está en su capacidad para ganar, sino en su determinación para luchar, a pesar de saber que están condenados. Quemada-Diez logra transmitir la emoción y la intensidad de la batalla, y su visión es una reflexión sobre la naturaleza de la guerra y la heroicidad. La historia es contada con una sensibilidad y una empatía que hacen que el espectador se sienta conectado con los personajes, y la crudeza de la realidad es presentada de manera directa y sin adornos. En este sentido, la obra de Quemada-Diez es un recordatorio de que la guerra no es solo una cuestión de números y estrategias, sino de vidas humanas y emociones.

Una chica hondureña viaja al norte en el tren de los migrantes, el tren de la muerte, junto a su padre. Un pandillero mexicano huye de su propia banda. Sus caminos se cruzan en uno de los viajes más peligrosos del continente. Cary Joji Fukunaga debuta con una película que captura con honestidad brutal la realidad de los migrantes centroamericanos y la violencia de las maras. Cruda, visual y emocionalmente potente, anunció a un director de talento extraordinario.

Durante un largo verano en la ciudad argentina de Salta, dos familias de clase media se pudren lentamente en sus propias vidas sin hacer nada para cambiarlas. La extraordinaria ópera prima de Lucrecia Martel captura la decadencia de una clase privilegiada con una mirada clínica y sin piedad, usando el calor, la piscina embarrada y las conversaciones sin sentido como metáforas de un estancamiento moral. Un film que cambia tu manera de ver el cine.