🎬 Cine — Películas

En los suburbios de Ciudad de México a finales de los años 40, Pedro es un adolescente que intenta escapar de la pobreza y la violencia callejera mientras su amistad con el delincuente juvenil Jaibo lo arrastra hacia un destino inevitable. Luis Buñuel filmó en 1950, tres años después de llegar al exilio mexicano, el retrato más despiadado y neorrealista de la marginalidad urbana latinoamericana del siglo XX. La película fue recibida con escándalo en México y premiada en Cannes.

Una madre mexicana recorre el camino que siguió su hijo migrante para llegar a Estados Unidos, cruzando los estados más peligrosos de México en busca de cualquier rastro de su existencia. Fernanda Valadez filma con una austeridad poética demoledora esta road movie sobre el duelo materno y los migrantes desaparecidos, enfrentando al espectador con una realidad que México prefiere ignorar. Ganadora del Gran Premio del Jurado en Sundance.

Una pelota de béisbol cruza el asfalto en ruinas, el golpe resuena como un grito en un México dominado por los cárteles, donde los hombres han desaparecido y solo quedan mujeres. Tres niñas, bajo la sombra de su padre disfrazado de mujer, juegan como si el futuro no existiera. Julio Hernández Cordón nos entrega “Cómprame un Revólver” (2018, thriller), un relato oscuro que transforma la violencia extrema en poesía visual. La cámara captura la belleza perturbadora de un entorno desolado, convirtiendo el horror en una fábula siniestra que atrapa al espectador desde el primer minuto. La trama se mueve entre la inocencia del juego y la amenaza constante de la violencia, creando una atmósfera que, en mi opinión, supera la mayoría de los intentos recientes del cine latinoamericano. No es solo una historia de supervivencia; es una crítica brutal al poder que se ha adueñado de la tierra. Con una estética que parece sacada de un sueño febril, la película se erige como una de las visiones más radicales y originales del panorama actual. Si buscas un thriller que te haga flipar y repensar la realidad, “Cómprame un Revólver” no te defraudará.

El reloj marcaba las 3 a.m. Y la madre, con el pecho apretado, revisaba el viejo mapa de la zona. Ese instante marca el inicio de *Los Ausentes* (2023), un drama que desentraña la espera de una familia colombiana cuyo hijo desapareció durante el conflicto armado. Al decidir emprender la búsqueda activa, la mujer se enfrenta a verdades que jamás quiso conocer. La serie se construye como un retrato íntimo del dolor de los familiares de los desaparecidos. Mezcla documental y ficción de forma que cada escena parece un testimonio real, un eco de la herida nacional que todavía no se ha cerrado. La narrativa no se limita a contar hechos; se sumerge en los recuerdos, en la memoria colectiva de una generación que perdió a sus hijos. Personalmente, me impactó la forma en que la producción logra equilibrar la crudeza del registro documental con la sensibilidad de la ficción. El resultado es una experiencia que no solo informa, sino que también conmueve. Cada episodio parece una carta abierta a quienes siguen esperando respuestas. *Los Ausentes* no es un simple relato de pérdida. Es un memorial vivo, una pieza imprescindible para entender el legado del conflicto armado en Colombia y la resiliencia de quienes lo vivieron. La serie invita a reflexionar sobre la ausencia, la memoria y el dolor que trasciende generaciones.

Chela y Chiquita son dos mujeres de mediana edad de la alta burguesía paraguaya que llevan décadas juntas. Cuando Chiquita va a la cárcel por deudas, Chela comienza a conducir su coche y a transportar a las vecinas del barrio, descubriendo una libertad y una vitalidad que no sabía que tenía. Marcelo Martinessi filma con delicadeza esta historia sobre la reinvención tardía y el amor, ganando el Oso de Plata en Berlín con una película mínima y perfecta.

Sol, una niña de siete años, prepara con sus familiares una fiesta de cumpleaños para su padre, que está muy enfermo. Lila Avilés observa el día con una cámara que se sitúa a la altura de la niña, capturando la belleza extraña de la infancia cuando todavía no comprende del todo lo que está a punto de perder. Una película mexicana de delicadeza extraordinaria sobre cómo los niños procesan la muerte a través del amor y el juego.

En una casa de retiro para sacerdotes con pasados oscuros al sur de Chile, la llegada de un nuevo recluso desencadena una crisis que sacude los cimientos de la institución. Pablo Larraín filma con frialdad calculada este drama sobre la complicidad institucional de la Iglesia ante los abusos, premiado con el Oso de Plata en Berlín. Incómoda, provocadora e imprescindible: cine que no busca absolver sino interrogar sin misericordia.

Michael Stone es un conferenciante de éxito que percibe todas las voces humanas como idénticas y ve todos los rostros iguales, hasta que conoce a Lisa, la única persona que suena diferente. Charlie Kaufman y Duke Johnson crean con stop-motion esta meditación sobre la soledad, la alienación y la fugaz maravilla de sentirse comprendido. Íntima, melancólica y profundamente adulta, es animación para los que ya no creen en cuentos.

James y Hilda son un matrimonio de ancianos ingleses que sobrevive al horror nuclear de una guerra creyendo que todo saldrá bien si siguen las instrucciones del gobierno. Raymond Briggs adapta su propia novela gráfica en esta película de animación devastadora que usa la ternura de sus protagonistas para mostrar la absurda brutalidad de la guerra nuclear. Un alegato antimilitarista único en la historia de la animación: dulce y absolutamente aterrador.

Una joven bailarina americana llega a una prestigiosa academia de danza en Alemania y descubre que la escuela es mucho más que lo que parece. Dario Argento filma su obra maestra del giallo con una paleta de rojo sangre que nunca se ha vuelto a ver igual en el cine de terror, una banda sonora de Goblin que eriza la piel y una atmósfera de pesadilla que prescinde de la lógica para atacar directamente los sentidos. Una experiencia visual y sonora única e irrepetible.

Don Johnston abre la carta con temblor; el sobre anónimo le asegura que tiene un hijo que nunca conoció. Sin pensarlo mucho, y tras la presión de su vecino, arranca un viaje que lo lleva de costa a costa, tocando las puertas de sus viejas amantes para averiguar quién es la madre. El recorrido se vuelve una serie de encuentros breves, cada uno más revelador que el anterior, mientras el paisaje estadounidense se despliega como espejo de sus propias ausencias. Jim Jarmusch firma la película con su humor melancólico, construyendo una road movie pausada que reflexiona sobre el paso del tiempo, los errores del pasado y la soledad de quien nunca se ató a nada. Bill Murray encarna a Johnston con una precisión que, para mí, eleva el drama a puro cine de autor. "Flores Rotas" (2005) sigue siendo una pieza esencial del género, donde la actuación y la dirección se funden en una visión cruda y, a la vez, poética.

Sophie rememora las vacaciones en un complejo turístico turco que pasó con su padre Calum cuando ella tenía once años. Décadas después, las imágenes de aquellos días cobran un significado nuevo y oscuro. Charlotte Wells debuta con una película sobre la memoria, la depresión y el amor entre padre e hija que funciona como un rompecabezas emocional. Paul Mescal entrega una actuación silenciosa y devastadora. Aftersun deja en el espectador una tristeza que no sabe del todo nombrarse.

Cuando la matriarca de la familia Graham muere, su hija Annie y sus nietos empiezan a descubrir secretos aterradores sobre el linaje familiar. Ari Aster debutó en 2018 con la película de terror familiar más perturbadora de su generación: una mezcla de duelo real, trauma intergeneracional y horror sobrenatural que utiliza la maquinaria del género para explorar algo que duele de verdad.

Cuatro historias entrelazadas en el Los Ángeles criminal de los 90: dos matones de poca monta trabajan para un gánster cuya esposa provoca un accidente, un boxeador vende una pelea pero no cumple el trato, y dos ladrones asaltan una cafetería en el peor momento posible. Quentin Tarantino construyó la estructura narrativa más influyente del cine de los 90 convirtiendo los diálogos en teatro, la violencia en coreografía y la cultura pop en filosofía implícita.

En plena Guerra de Vietnam, el capitán Willard recibe una misión secreta: remontar el río Nung hasta Camboya para eliminar al coronel Kurtz, un oficial de élite que ha enloquecido y lidera a sus propios seguidores como un dios guerrero. Francis Ford Coppola adaptó El corazón de las tinieblas de Conrad en una de las producciones más caóticas y accidentadas de Hollywood —que inspiró el documental "Hearts of Darkness"— y el resultado es el retrato más delirante y preciso que el cine ha dado de la guerra como psicosis colectiva.

Oh Dae-su es secuestrado sin explicación y encerrado durante quince años en una habitación de hotel, sin contacto con el exterior salvo la televisión. El día que es liberado, emprende la búsqueda de su captor con la única pista de que alguien quiere que encuentre la respuesta antes que la pregunta. Park Chan-wook filmó en 2003 el thriller con el giro de tercer acto más oscuro del cine coreano, con una coreografía de combate en pasillo que el cine de acción ha intentado imitar sin éxito.

Don Vito Corleone es el patriarca de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York. Cuando rechaza a un traficante de drogas como socio, sufre un atentado que lo deja incapacitado y fuerza a su hijo menor Michael —veterano de guerra que había intentado mantenerse alejado del negocio familiar— a tomar las riendas. Francis Ford Coppola adaptó la novela de Mario Puzo en 1972 en lo que se considera la primera película del prestige Hollywood moderno: un estudio de poder, lealtad y corrupción moral sin igual en la historia del cine.

En el Chile de 1988, un publicista joven acepta diseñar la campaña del plebiscito para votar NO a Pinochet. Con quince minutos diarios en televisión, debe convencer a un país de que puede elegir la democracia. Pablo Larraín filma con el grano televisivo de la época una reflexión fascinante sobre el poder de la comunicación, el marketing y la esperanza. Gael García Bernal está magistral en esta película sobre cómo un jingle y unos colores cambiaron la historia de un país.

Ciudad de México, 1999. Tres historias unidas por un accidente de coche: Octavio, que intenta escapar del barrio con la novia de su hermano usando peleas de perros; Daniel, un ejecutivo que abandona su familia por un modelo; y El Chivo, un ex guerrillero convertido en asesino a sueldo. Alejandro González Iñárritu debutó en 2000 con la película que inauguró el nuevo cine mexicano: narrativa entrelazada, pulso de thriller y una mirada sin clemencia a las desigualdades de la capital.

El verano de 1999 en México. Julio y Tenoch, dos adolescentes de clase alta, convencen a la española Luisa, casada con el primo de uno, para viajar a una playa inventada. El viaje es carretera, sexo, amistad y el México real visto por primera vez desde una ventanilla. Cuarón filmó su película más política y más íntima, con una voz narradora que contextualiza la intimidad adolescente con la realidad política del México de la transición.