🎬 Cine — Películas

Ciudad de México, 1999. Tres historias unidas por un accidente de coche: Octavio, que intenta escapar del barrio con la novia de su hermano usando peleas de perros; Daniel, un ejecutivo que abandona su familia por un modelo; y El Chivo, un ex guerrillero convertido en asesino a sueldo. Alejandro González Iñárritu debutó en 2000 con la película que inauguró el nuevo cine mexicano: narrativa entrelazada, pulso de thriller y una mirada sin clemencia a las desigualdades de la capital.

J. Robert Oppenheimer dirige el Proyecto Manhattan en Los Álamos, Nuevo México, desde 1943, para construir la primera bomba atómica antes de que la Alemania nazi lo consiga. La película de Christopher Nolan entrelaza la recreación del proyecto, los conflictos morales de Oppenheimer con el uso de la bomba, y el juicio de seguridad de 1954 que destruyó su reputación política. Cillian Murphy, Robert Downey Jr. y Emily Blunt protagonizan el biopic más ambicioso del cine americano reciente.

Amin llegó solo a Dinamarca siendo un niño, huido de Afganistán. Veinte años después, a punto de casarse con su novio, se lo cuenta por primera vez a un amigo de la infancia: la huida con su familia, los años escondido en Moscú y los traficantes. Un documental animado para proteger su identidad.

En un pequeño pueblo austríaco, un joven campesino se enfrenta a la crueldad de la guerra y la fe. Su historia, una poderosa exploración de la conciencia y el amor. ¿Puedes callar cuando el mundo clama por tu voz?

En un pueblo costero de Japón, un joven llamado Mahito se muda con su familia a una casa de campo. Allí, descubre una misteriosa garza blanca que lo lleva a un mundo secreto donde deberá enfrentar sus miedos y encontrar su lugar en el mundo.

Harvard, 2003. Un estudiante llamado Mark Zuckerberg crea una red social que conquistará el mundo. La película narra la fundación de Facebook entre amistades rotas, demandas y traiciones.

**El poder del perro: la crueldad que se esconde tras la mirada de Benedict Cumberbatch** Montana, 1925. Un rancho solitario, un silencio que pesa más que las montañas. Allí, Phil Burbank (Benedict Cumberbatch) domina a su hermano George (Jesse Plemons) con una mezcla de desprecio y superioridad que parece tallada en piedra. Cuando George se casa con Rose (Kirsten Dunst), una viuda frágil y desesperada, Phil desata una guerra psicológica tan sutil como implacable. No hay gritos, ni golpes: solo miradas, gestos calculados y el eco de un banjo que se clava en los nervios como un cuchillo. Jane Campion, la directora neozelandesa, convierte este triángulo en un estudio de poder, masculinidad y soledad que duele más que cualquier western clásico. No es casualidad que *El poder del perro* arrasara en los premios. Ganó el BAFTA a Mejor Película y Mejor Dirección, repitió en los Globos de Oro (donde también se llevó el premio a Mejor Película Dramática) y le valió a Campion su primer Oscar como directora. Pero más allá de los galardones, lo que queda es la sensación de haber visto algo raro: un drama rural que huele a sudor, a cuero viejo y a resentimiento acumulado durante décadas. Cumberbatch, en un papel que le exigió aprender a tocar el banjo y domar caballos, entrega una interpretación que quema. No es el villano de manual, sino un hombre roto que se aferra a su crueldad como único escudo. El acierto de Campion está en no explicar, en dejar que el espectador complete los huecos. ¿Por qué Phil odia tanto a Rose? ¿Qué hay detrás de su obsesión por el difunto Bronco Henry? La película no da respuestas fáciles, porque la vida tampoco las tiene. En su lugar, ofrece imágenes que se clavan: un caballo encabritado, una mano temblorosa sirviendo whisky, un cuerpo que se dobla bajo el peso de la humillación. Eso es *El poder del perro*: un puñetazo envuelto en terciopelo. Y duele, vaya si duele.

Baltimore, 1962. En un laboratorio militar de alta seguridad, una mujer muda limpia los suelos mientras el mundo sigue su curso indiferente. Hasta que un día, entre los tanques de experimentación, aparece algo que no debería estar ahí: una criatura anfibia capturada en la Amazonía, mitad hombre, mitad dios. La forma del agua no es solo una película de Guillermo del Toro; es un cuento oscuro que el cine necesitaba. No es casualidad que arrasara en los Oscar —mejor película, mejor director— ni que Del Toro firmara aquí su obra más personal. La historia de Elisa, la limpiadora, y su amor imposible con el monstruo acuático desafía los géneros con una elegancia que pocos directores logran. No es fantasía pura, ni romance convencional, ni siquiera un drama político disfrazado: es todo eso a la vez, pero contado desde el silencio. Lo que más sorprende no es el diseño de la criatura —aunque Del Toro se luce con un ser que parece tallado en pesadillas—, sino cómo la película convierte lo marginal en heroico. Elisa, interpretada por Sally Hawkins sin decir una palabra, habla más con sus manos y miradas que muchos protagonistas con diálogos interminables. El monstruo, lejos de ser un villano, es la víctima perfecta: un espejo de los excluidos, de los que el mundo prefiere no ver. El mérito está en que no cae en el sentimentalismo fácil. Hay violencia, traición y un villano —Michael Shannon en su mejor versión de militar sádico— que te hace odiar el sistema con cada escena. Pero también hay baile, música de los años 50 y un final que, contra todo pronóstico, te deja con una sonrisa. Eso es Del Toro: un tipo que cree en los finales felices, pero solo después de haberte hecho sufrir un poco. No es una película para todos. Si buscas acción trepidante o diálogos ingeniosos, aquí no los encontrarás. Lo que hay es algo más raro: una fábula sobre la soledad, el deseo y la redención, filmada con la textura de un sueño húmedo. Y eso, en 2017, fue un soplo de aire fresco. O de agua, mejor dicho.

Fern se queda sin casa, sin trabajo y sin marido en el mismo año. Con sesenta y tantos, la crisis del 2008 le ha arrebatado todo menos el viejo monovolumen que ahora es su hogar. Nomadland no es una película sobre la pobreza: es un retrato de quienes eligen —o se ven obligados a elegir— vivir al margen, moviéndose entre trabajos temporales y paisajes que parecen sacados de otro siglo. Chloé Zhao filma este drama con una mirada que duele por lo cercana. No hay melodrama ni victimismo: solo la rutina de Frances McDormand como Fern, una mujer que lava platos en un almacén de Amazon, duerme en campings de carretera y comparte fogatas con otros nómadas. La cámara sigue sus pasos sin prisa, como si cada plano respirara al ritmo de los desiertos de Nevada o las llanuras de Dakota. No es casualidad que Zhao ganara el Oscar a Mejor Dirección: su película no explica, muestra. El reparto es casi un coro de rostros reales. Junto a McDormand, muchos de los personajes son nómadas auténticos, como Linda May o Swankie, que interpretan versiones de sí mismos. Eso le da a Nomadland una autenticidad que pocas películas logran: aquí no hay actores recitando diálogos, sino vidas que se despliegan ante la cámara. El resultado no es solo una crítica social —aunque la haya—, sino algo más incómodo: un espejo de lo frágil que es el sueño americano. Los premios llegaron como aval: tres Oscars (Película, Dirección, Actriz), dos BAFTA y dos Globos de Oro. Pero más que los galardones, lo que queda es esa sensación de haber visto algo necesario. No es una película que te deje indiferente, ni mucho menos. Fern podría ser tu vecina, tu madre, o tú dentro de veinte años. Y eso, al final, es lo que duele.

El reino de Arendelle tiene un secreto: la princesa Elsa posee el poder de crear hielo y nieve, que desencadena accidentalmente un invierno eterno el día de su coronación. Su hermana Anna emprende un viaje para encontrarla con la ayuda del vendedor de hielo Kristoff, su reno Sven y el muñeco de nieve Olaf. Disney construyó en 2013 su musical más exitoso desde La Bella y la Bestia, con canciones que dominaron la cultura pop durante años.

En la noche de Halloween de 1963, el niño Michael Myers asesina a su hermana en Haddonfield, Illinois. Quince años después escapa del hospital psiquiátrico y regresa a su pueblo en busca de nuevas víctimas, persiguiendo a la joven Laurie Strode. John Carpenter filmó en 1978 por 300.000 dólares la película que inventó las reglas del slasher: el villano inmortal, la final girl, la cámara subjetiva del asesino y la música que jamás abandona.

En la década de 1920, los miembros de la nación Osage de Oklahoma son asesinados sistemáticamente después de que el petróleo convirtiera sus tierras en las más ricas del país. Scorsese adapta la obra de David Grann con una mirada que no aparta los ojos del horror colonial: no es un thriller de detectives sino una meditación sobre la codicia y el racismo como cimientos de América. DiCaprio y De Niro juntos de nuevo, con Lily Gladstone robándoles todas las escenas.

Nora y Hae Sung crecieron juntos en Seúl y nunca olvidaron su primer amor de infancia. Décadas después, cuando ella vive ya en Nueva York con otro hombre, se reencuentran y deben enfrentarse a lo que pudo haber sido. Celine Song escribe y dirige su primera película con una delicadeza extraordinaria, explorando el concepto coreano de in-yeon: las vidas pasadas que nos unen a ciertas personas. Greta Lee entrega una actuación de una sutileza demoledora.

Paul Atreides, heredero de una noble familia, viaja al planeta Arrakis, el único lugar del universo donde se produce la especia más valiosa del cosmos. Allí descubrirá su destino entre las tribus del desierto. Denis Villeneuve adapta la épica novela de Frank Herbert con una visión colosal, meditativa y visualmente abrumadora. Una ciencia ficción que suena como Wagner y se mueve como un sueño: la película de ciencia ficción más ambiciosa desde 2001.

Teodoro, un ingeniero español que trabaja como profesor en Estados Unidos, regresa a España para disfrutar de un año sabático.

En los años 70, un músico de Detroit llamado Sixto Rodríguez grabó dos álbumes que nadie compró en Estados Unidos. Décadas después, se descubrió que se había convertido en el artista más popular de Sudáfrica sin saberlo. Malik Bendjelloul gana el Óscar con este documental que parece un cuento de hadas sobre un artista que nunca supo de su propia leyenda. Emotivo, hermoso y casi increíble. Una de las historias más extraordinarias de la música popular.

Simba es un cachorro de león cuyo destino es gobernar las Tierras del Orgullo. Pero tras la muerte de su padre Mufasa, huye atormentado por la culpa. Años después, deberá enfrentarse a su tío Scar para recuperar su reino. El clásico de Disney animado de 1994 combina la grandiosidad visual del savanna africana con una historia de culpa, madurez y responsabilidad que emociona por igual a niños y adultos. La música de Elton John y Hans Zimmer es inmortal.

Winfried Conradi, padre excéntrico, viaja a Bucarest para visitar a su hija Ines, ejecutiva de consultoría que lleva una vida de productividad sin margen para nada más. Para conectar con ella, Winfried crea el alter ego Toni Erdmann: coach de vida ficticio con dentadura postiza que se cuela en todos los eventos laborales de Ines. Maren Ade filmó la comedia más incómoda e inesperadamente tierna sobre la distancia entre padres e hijos del cine europeo de la última década.

El director de teatro Yusuke Kafuku, que sigue elaborando el duelo por su esposa, acepta durante tres meses dirigir en Hiroshima una producción multilingüe de Tío Vania de Chéjov con actores que hablan diferentes idiomas. Le asignan como chófer a Misaki Watari, una joven taciturna con su propio dolor no resuelto. Ryusuke Hamaguchi adaptó a Haruki Murakami en tres horas de cine que ganan el Oscar y cambian la percepción de lo que el cine de autor japonés puede lograr.

Uruguay, 1972-1985. Tres militantes tupamaros —entre ellos Pepe Mujica, futuro presidente de Uruguay— son detenidos y sometidos a doce años de aislamiento extremo y tortura psicológica bajo la dictadura militar, como rehenes para mantener controlado al movimiento guerrillero. Álvaro Brechner filmó la película más importante del cine uruguayo contemporáneo sobre la resistencia interior a los límites del cuerpo y la mente.

Berlín, 1931. El Kit Kat Klub es un cabaret donde la cantante Sally Bowles reina con su magnetismo irreverente. Cuando llega el escritor Brian Roberts, comienza un romance peculiar mientras el nazismo toma el poder en las calles. Bob Fosse dirige una película donde los números musicales no son escapismo sino espejo distorsionado de la decadencia que rodea a sus personajes. Liza Minnelli es simplemente incandescente.

Timothy Treadwell vivió durante trece veranos entre los osos grizzly en Alaska hasta que en 2003 un oso le mató a él y a su novia. Werner Herzog usa el material grabado por Treadwell para construir un ensayo fascinante sobre la naturaleza, la locura, el romanticismo extremo y la ilusión de comunión con lo salvaje. Hermoso, perturbador y filosóficamente denso, es uno de los documentales más personales y complejos del director alemán.

James y Hilda son un matrimonio de ancianos ingleses que sobrevive al horror nuclear de una guerra creyendo que todo saldrá bien si siguen las instrucciones del gobierno. Raymond Briggs adapta su propia novela gráfica en esta película de animación devastadora que usa la ternura de sus protagonistas para mostrar la absurda brutalidad de la guerra nuclear. Un alegato antimilitarista único en la historia de la animación: dulce y absolutamente aterrador.

Mildred Hayes alquila tres vallas publicitarias en la carretera para reclamar justicia por el asesinato de su hija. El sheriff local y ella entran en un conflicto que sacude toda la comunidad. Martin McDonagh escribe personajes tan complejos que resulta imposible decidir de qué lado estar: la rabia de Mildred es legítima, pero también lo que destruye. Frances McDormand y Sam Rockwell ganan el Óscar en una película que abre heridas en vez de cerrarlas.