🎬 Cine — Películas

**Jojo Rabbit: cuando la sátira le planta cara al horror** Alemania, 1944. Un niño de diez años, fanático de las Juventudes Hitlerianas, descubre que su madre esconde a una chica judía en el ático. Lo que empieza como un conflicto de lealtades —entre el fanatismo que le han vendido y el instinto que le grita que algo no encaja— termina siendo una de las comedias más incómodas y necesarias del cine reciente. *Jojo Rabbit* no es una película sobre el nazismo: es una sobre cómo se desmonta un mito desde dentro, con risas que duelen y un final que te deja sin aliento. Taika Waititi, director y guionista, se pone en la piel de un Hitler imaginario —ridículo, patético, casi un amigo invisible— para desarmar el culto al líder con una mezcla de absurdo y ternura. El reparto, con Scarlett Johansson como la madre rebelde y Sam Rockwell como un capitán nazi tan torpe que parece sacado de un sketch, funciona porque nadie hace el chiste fácil. La comedia aquí no es un adorno: es el bisturí que abre la herida para que duela menos, pero duela igual. Que los Globos de Oro la coronaran como mejor comedia musical en 2020 no fue casualidad. *Jojo Rabbit* se atreve a reírse de lo que nadie debería reírse, y lo hace sin caer en la parodia barata. El mérito está en que, tras cada carcajada, queda el regusto amargo de saber que el horror fue real. Y eso, en el fondo, es lo que la hace grande: no te deja mirar para otro lado.

Borat vuelve a Estados Unidos y esta vez la lía aún más gorda. *Borat Subsequent Moviefilm* (2020) no es solo una secuela: es un misil de sátira política disfrazado de documental absurdo, y funciona porque Sacha Baron Cohen no tiene miedo a quemar puentes. El kazajo más famoso del cine —o al menos el único— regresa con su hija adolescente, interpretada por la desconocida pero brillante Maria Bakalova, y juntos convierten el viaje en un circo de situaciones incómodas que dejan al descubierto los prejuicios, la hipocresía y el surrealismo de la América de Trump. No es casualidad que se llevara el Globo de Oro a Mejor Película Comedia o Musical. El filme esquiva el riesgo de repetirse con un guion que mezcla lo improvisado con lo calculado hasta el milímetro: desde la entrevista al abogado Rudy Giuliani en una habitación de hotel —momento que ya es historia del cine— hasta el intento de regalar a Mike Pence un mono infectado de coronavirus. Cada escena es un golpe bajo disfrazado de chiste, y eso duele más porque, en el fondo, todos sabemos que la realidad supera la ficción. Lo mejor no es solo el humor, sino cómo el personaje de Borat se vuelve casi entrañable. Cohen logra que el espectador se ría de situaciones que, en otro contexto, serían deprimente. Y ahí está el truco: la comedia como arma política. No es una película para reírse sin más; es para reírse y luego quedarse con la sensación de que algo no cuadra. O peor: que todo cuadra demasiado bien.

**West Side Story: cuando el musical clásico se viste de comedia (y gana un Globo de Oro)** El escenario es el mismo: las calles de Nueva York, las pandillas rivales, el amor imposible. Pero en esta versión de 2021, *West Side Story* se atreve a reírse de sí misma. No es un remake solemne, sino una comedia que juega con los tópicos del género sin perder su esencia. Y funciona. Tanto, que se llevó el Globo de Oro a Mejor Película Comedia o Musical. No es casualidad. Steven Spielberg y su equipo toman el material original —ese Romeo y Julieta con coreografías— y le inyectan un humor que, en manos menos hábiles, habría sonado forzado. Aquí, los chistes sobre los Jets y los Sharks no restan tensión, sino que la hacen más humana. Hasta los números musicales, esos momentos de puro espectáculo, tienen un guiño cómplice con el espectador. ¿El resultado? Una película que respeta su legado pero no se toma demasiado en serio. Eso sí, no es una comedia al uso. Hay risas, pero también hay puñaladas, sangre y ese final que ya conocemos. La gracia está en cómo equilibra ambos tonos: la tragedia asoma entre los chistes, y los chistes aligeran la tragedia. Un malabarismo que pocos logran sin caer en el ridículo. Spielberg lo consigue porque, al fin y al cabo, sabe que el musical es un género de extremos: o todo es grandioso o todo es un desastre. ¿Vale la pena verla? Si buscas el *West Side Story* de siempre, quizá te decepcione. Pero si quieres ver cómo un clásico se reinventa sin perder su alma —y encima te saca una sonrisa—, esta es tu película. Eso sí, prepárate para tararear *America* durante días. Y para reírte de Tony cuando, en pleno drama, tropieza con su propia capa.

Bella Baxter despierta en un laboratorio con el cerebro de un bebé y el cuerpo de una mujer adulta. Así arranca *Pobres criaturas*, la comedia más salvaje que ha dado el cine británico en años. No es una película: es un experimento que mezcla Frankenstein, el humor negro de los Monty Python y la estética de un cuento victoriano retorcido hasta lo grotesco. Emma Stone no actúa: se lanza al vacío. Su interpretación de Bella —un ser que descubre el mundo con la curiosidad de un niño y la libido de una adulta— le valió el Oscar y el BAFTA, y no es para menos. Cada gesto, cada mirada, parece tallado a cincel. El resto del reparto (Willem Dafoe como el científico obsesivo, Mark Ruffalo como el seductor de turno) no se queda atrás, pero Stone roba el espectáculo sin esfuerzo. Es el tipo de papel que solo aparece una vez en una década. La película, dirigida por Yorgos Lanthimos, juega con lo absurdo sin caer en la parodia fácil. Hay escenas que te dejan con la boca abierta —como cuando Bella se fuga con un marinero en un barco lleno de prostitutas— y otras que rozan lo poético, como su viaje por Europa en busca de "libertad". El humor no es de carcajada, sino de esos que te hacen soltar un "joder" en voz baja. Y el diseño de producción, con esos decorados que parecen sacados de un sueño febril, merecería un premio aparte. ¿Por qué funciona? Porque no tiene miedo a ser incómoda. Lanthimos no suaviza nada: ni la sexualidad explícita, ni la crítica al machismo, ni la sátira de la moral victoriana. Es una comedia que duele, que divierte y que, sobre todo, no se parece a nada que hayas visto antes. Si buscas risas fáciles, pasa de largo. Pero si te apetece reírte mientras te revuelven las tripas, *Pobres criaturas* es tu película. Eso sí: no la veas con tu abuela.

Un barbero judío anónimo regresa a su país después de la Primera Guerra Mundial sin saber que su nación ha caído bajo la dictadura del régimen de Hynkel, un líder demagogo que lo persiguirá por el parecido físico que comparte con él. Charles Chaplin abandonó el silencio —The Great Dictator fue su primera película enteramente hablada— para hacer en 1940 la sátira más valiente del nazismo producida por Hollywood, mientras Hitler todavía estaba vivo y la guerra acababa de comenzar.

Bogotá, 1991. Los inquilinos de un viejo caserón del centro de la ciudad reciben la orden de desalojo por parte de un poderoso terrateniente que lleva décadas intentando quedarse con el edificio. Mientras los abogados pelean en los juzgados, el mecánico Jacinto diseña con sus vecinos la resistencia definitiva: robar la casa entera. Sergio Cabrera filmó en 1993 la película colombiana más querida de su historia, basada en una historia real, como comedia y como manifiesto.

Un profesor universitario de filosofía llega a un pequeño pueblo manchego donde todo es al revés: los curas son marxistas, los abuelos bailan rock y la lógica cotidiana se desmorona con encanto. Berlanga sin Berlanga, José Luis Cuerda crea una comedia surrealista, tierna y profundamente española que ha ganado culto generación tras generación. Una película inclasificable que te hace reír y pensar a la vez.

Winfried Conradi, padre excéntrico, viaja a Bucarest para visitar a su hija Ines, ejecutiva de consultoría que lleva una vida de productividad sin margen para nada más. Para conectar con ella, Winfried crea el alter ego Toni Erdmann: coach de vida ficticio con dentadura postiza que se cuela en todos los eventos laborales de Ines. Maren Ade filmó la comedia más incómoda e inesperadamente tierna sobre la distancia entre padres e hijos del cine europeo de la última década.

Guido Orefice, un hombre lleno de ingenio y amor, utiliza su imaginación para proteger a su hijo de los horrores del campo de concentración nazis convirtiendo todo en un juego. Roberto Benigni dirige y protagoniza esta película que ganó tres Óscares, incluyendo el de mejor actor para el propio Benigni, en uno de los discursos de agradecimiento más emotivos de la historia de la ceremonia. Una fábula sobre el amor paterno que enfrenta el horror con poesía y esperanza.

Seis historias independientes de venganza, rabia y violencia extrema que comparten una misma pregunta: ¿hasta dónde puede llegar una persona cuando la presión se vuelve insoportable? Damián Szifron dirige con energía desbordante y un humor negro perfecto esta antología argentina que se convirtió en la película más taquillera de la historia del país y en una de las más divertidas y perturbadoras de la última década. Ricardo Darín encabeza un elenco sin fisuras.

El conserje Gustave H. dirige con exquisita excentricidad el Gran Hotel Budapest en el ficticio país de Zubrowka, en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Cuando es acusado del asesinato de una anciana cliente, huye con su botones Zero para demostrar su inocencia y recuperar el cuadro renacentista que la difunta le había legado. Wes Anderson construyó su comedia más elaborada con una estructura de relatos dentro de relatos y una paleta visual de rosacos y azules de terciopelo.

Dos sicarios irlandeses son enviados a pasar el tiempo en Brujas, Bélgica, mientras esperan instrucciones de su jefe. Lo que parece un respiro se convierte en una reflexión inesperada sobre la culpa, el arrepentimiento y la redención, salpicada con un humor negro peculiar. Martin McDonagh debuta con una película que combina comedia oscura y drama con una precisión asombrosa. Colin Farrell y Brendan Gleeson son perfectos juntos en esta joya inclasificable.

El excéntrico conserje Monsieur Gustave y su aprendiz Zero se ven envueltos en un asesinato, el robo de una pintura y una persecución a través de una Europa ficticia de entreguerras. Wes Anderson crea con este film su universo más elaborado y colorido: una matrioska de historias dentro de historias filmada con la simetría y el cromatismo de un cuadro de confitería. Una película sobre el placer de la narrativa y la elegancia como forma de resistencia.

Un entrenador de baloncesto de primera división debe cumplir una pena de trabajo comunitario entrenando a un equipo de personas con discapacidad intelectual. Lo que comienza como un castigo se convierte en un aprendizaje transformador. Javier Fesser gana el Goya a la mejor película con una comedia de corazón enorme que desmonta prejuicios con ternura y humor genuino, demostrando que los verdaderos campeones no siempre son los que ganan.

Jeffrey Lebowski —el Nota— es un desempleado de Los Ángeles que solo quiere jugar a los bolos cuando unos matones lo confunden con un millonario del mismo nombre. Los hermanos Coen construyeron uno de los enredos más absurdos y entrañables del cine de los 90, con Jeff Bridges creando el personaje más relajado de la historia del cine americano y John Goodman robando cada escena en la que aparece.

Seth y Evan son dos amigos inseparables que están a punto de separarse al ir a diferentes universidades. En su último verano del instituto, intentan desesperadamente asistir a la fiesta del año con alcohol, con resultados caóticos. Judd Apatow produce y Greg Mottola dirige esta comedia adolescente genuinamente divertida que también es una historia de amor entre dos mejores amigos que no saben cómo decirse adiós. Jonah Hill y Michael Cera perfectos.

Los hermanos Coen reúnen un elenco de estrellas para esta comedia de espionaje donde agentes de la CIA incompetentes, un entrenador personal idiota y una mujer divorciada se enzarzan en una trama de chantaje que nadie entiende ni controla. George Clooney, Brad Pitt, Frances McDormand y John Malkovich son perfectos en esta sátira oscura sobre la estupidez institucional y la incompetencia que desencadena tragedias. Irreverente, brutal y muy divertida.

Barbie vive en el colorido mundo perfecto de Barbieland hasta que comienza a pensar en la muerte y desarrolla pies planos. Para restaurar el orden, viajará al mundo real con Ken, descubriendo con humor y emoción qué significa ser humana, imperfecta y libre. Greta Gerwig firma una comedia brillante y subversiva que convierte un juguete en un ensayo feminista sobre la presión de ser perfecta en un mundo que no está diseñado para las mujeres.

Los hijos de Lita y Miguel tienen que suspender sus diferencias cuando su hermano Efraín se casa el mismo día que España juega el partido decisivo del Mundial de fútbol. Daniel Sánchez Arévalo combina en esta comedia coral el fútbol, el amor y las tensiones familiares con una ligereza que en ningún momento esconde la emoción. Un film sobre las familias que se pelean pero que también se necesitan, perfecto para ver el fin de semana con los suyos.

Basada en hechos reales, narra la historia del levantamiento popular venezolano de 2017 a través de los ojos de jóvenes que se enfrentaron a las fuerzas del gobierno con molotovs y escudos improvisados. Una película de urgencia documental que retrata la valentía y el precio de la resistencia civil en uno de los momentos más convulsos de la historia reciente de Venezuela. Poderosa y necesaria.

Rafa, un sevillano de pura cepa, se enamora locamente de Amaia, una chica vasca. Para conquistarla, deberá hacerse pasar por vasco ante su familia. Una comedia sobre estereotipos regionales españoles que batió todos los récords.

Almas en pena de Inisherin (2022) es una película de comedia procedente de Irlanda/Reino Unido. Galardonada en los Globos de Oro (Mejor Película Comedia o Musical). Una de las películas más destacadas del cine reciente.