Buñuel en el laberinto de las tortugas

**Buñuel en el laberinto de las tortugas: cuando el surrealismo se hace dibujo**

París, 1930. Luis Buñuel, con los bolsillos vacíos y la cabeza llena de sueños rotos, recibe una propuesta que no puede rechazar: rodar un documental en Las Hurdes, una de las regiones más pobres de España. Lo que empieza como un encargo se convierte en un viaje al infierno —y a la genialidad—. *Buñuel en el laberinto de las tortugas* (2022) no es solo una película de animación: es un retrato descarnado del artista en crisis, un experimento visual que mezcla la crudeza del neorrealismo con la locura controlada de su cine.

La cinta, ganadora del Goya a Mejor Película de Animación, logra algo raro: que el dibujo —limpio, expresivo, casi naíf— sirva para contar una historia adulta, donde la miseria, la culpa y la creación artística se enredan sin concesiones. No hay moralejas fáciles ni héroes de cartón. Buñuel aparece aquí como lo que era: un tipo obsesivo, egoísta, brillante y a ratos insoportable, que usa la cámara como un bisturí para diseccionar la realidad… o para huir de ella.

El acierto está en el tono. La animación, lejos de dulcificar el drama, lo hace más punzante. Las tortugas del título —símbolo de su bloqueo creativo— se arrastran por la pantalla como un recordatorio de que el genio, a veces, avanza a cámara lenta. Y el guion, basado en el cómic de Fermín Solís, evita el biopic convencional: no hay grandes discursos, solo momentos robados, diálogos cortantes y esa sensación de que, en el fondo, Buñuel nunca supo si quería salvar el mundo o quemarlo.

¿Por qué funciona? Porque no idealiza. Porque el surrealismo no es aquí un juego intelectual, sino un grito desesperado. Y porque, en medio del caos, la película encuentra una verdad incómoda: el arte nace del dolor, pero también de la rabia. Y a veces, de un cheque que no llega.

Un viaje surrealista al corazón de la creatividad.